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ESCENARIOS MUSICALES PARA UN TIEMPO CONVULSO

La travesía entre el final de temporada del 2021 y el primer trimestre del 2022 ha desplegado un gran abanico de propuestas de muy distinto formato y estética. En esta crónica, resumo un escogido ramilletes de producciones que deleitaron al público de Madrid y que todavía se podrá disfrutar de las que siguen en cartel

POR ADOLFO SIMÓN

12 de mayo de 2022 /

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Las bodas de Fígaro

TEATRO REAL

El ocaso de los Dioses de Richard Wagner

Götterdämmerung –El ocaso de los dioses– parece una enmienda a la totalidad de los ideales expresados en Siegfried o, incluso, del camino laboriosamente trazado a lo largo de los episodios precedentes: el optimismo feuerbachiano que resplandeció en la escena final de Siegfried se torna en Götterdämmerung, rápida e inexorablemente, en un festín de traiciones, complots y venganzas que arrastrará a todos los personajes, sin excepción, a la perdición. Dicho de otro modo, Götterdämmerung escenifica por fin el apocalíptico duelo entre las reinas Brunilda y Krimilda relatado en El cantar de los nibelungos, epopeya que supuso para Wagner –allá por el año 1848– el punto de partida de la composición de su monumental saga. Götterdämmerung es también la partitura mas oscura y rabiosamente vanguardista del ciclo, además de una fenomenal recapitulación de los momentos musicales más significativos de las tres óperas anteriores. Coronada con una poderosa catarsis, Götterdämmerung culmina también la odisea musical iniciada en la temporada 2018-2019 con Das Rheingold de Heras-Casado/Carsen con una lectura que pone el acento, una vez más, en el subtexto ecologista de esta inmensa fábula moral.

 

El abrecartas de Luis de Pablo y Vicente Molina Foix

La historia de Luis de Pablo y Vicente Molina Foix es la de una intensa amistad y una apasionante colaboración literario-musical que rinde sus frutos, ya por tercera vez, con El abrecartas. Si sus dos primeros proyectos operísticos –El viajero indiscreto (1990) y La madre invita a comer (1992)– tuvieron libretos basados en ideas originales propuestas y desarrolladas por el novelista, El abrecartas nació a iniciativa de Luis de Pablo, quien a finales de 2010 expresó a Molina Foix el deseo de convertir su novela homónima en una nueva –su «última»– ópera.

La tarea de compactar en un libreto –«la tarea más difícil de mi vida», en palabras de Molina Foix– esta densa novela coral en la que se entrelaza cerca de un siglo de historia de España con las historias privadas de un grupo de perdedores, vividores y supervivientes, tomó un rumbo definitivo cuando Luis de Pablo propuso ceñir su ópera a la primera mitad de la novela. De este modo, El abrecartas se inicia a comienzos del siglo XX con un coro infantil en un pueblecito de Granada y termina, pasadas 200 páginas del libro y cincuenta años más tarde, el dúo final a capella lo cantan, con palabras de un personaje muy relevante de nuestra literatura, los inventados co-protagonistas de esta historia de pérdidas, exilios y pasiones muy vivas.

 

Lakmé de Léo Delibes

La reducción de las culturas orientales a simples decorados exóticos –o «esencias ficcionales», en terminología pos-colonial– es uno de los rasgos característicos del exotismo decimonónico. Lakmé –al igual que antes hiciera L’africaine o después hará Madama Butterfly, cada una con distinto acierto y sensibilidad– desarrolla así un arquetipo sumamente delicado: el del romance –generalmente con final trágico– entre un colonizador occidental y una bella y sacrificada oriental. Más allá de estos debates, este planteamiento permitió a los compositores europeos teñir sus partituras de sugestivas fragancias: es el caso de Lakmé, cuyo «Dueto de las flores» ha llegado a ser en nuestros días un crossover de alcance universal, del mismo modo que el «Aria de las campanillas» de la protagonista se convirtió, desde el mismo estreno de esta ópera, en caballo de batalla de toda soprano lírico–ligera que se preciase. Afortunadamente, Lakmé es mucho más que estos dos números: no en vano, Delibes puede considerarse, junto a Chaikovski, el mejor compositor de ballet del XIX. Su espléndida partitura nos enseña lo mucho que nos queda por descubrir en la ópera francesa

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Lakmé

El ángel de fuego de Sergéi Prokófiev

La República de Weimar, oasis de libertades y cuna de extremismos, acogió con mayor o menor escándalo óperas radicales como la blasfema Sancta Susanna de Paul Hindemith, la atonal y antimilitarista Wozzeck de Alban Berg, o la multirracial y jazzística Jonny Spielt Auf de Ernst Krenek. Pese a estos antecedentes, ni siquiera la mediación del prestigioso director de orquesta Bruno Walter consiguió subir El ángel de fuego de Sergéi Prokófiev al escenario de la Deutsche Oper de Berlín. Los reveses continuos con respecto a esta obra llevaron al compositor a desistir de su estreno y reutilizar sus principales materiales musicales en la tercera de sus sinfonías, dada a conocer en París en 1929. El ulterior ascenso del nazismo en Alemania y el endurecimiento de las políticas culturales en la Unión Soviética hicieron inviable el estreno a medio plazo de El ángel de fuego, que se realizó de forma póstuma en 1954 en el Teatro La Fenice de Venecia. La producción de Calixto Bieito extrae de esta obra todo su potencial de una forma tan convincente como escalofriante, ambientando la acción en la cerrada sociedad de los años 50 y trasladando esta trama de brujería, sexo y religión al realismo de los sofás de escay.

ebeca de ganchillo, la represión de la locura y el abuso infantil.

Rey Arturo de Henry Purcell

Durante el siglo XVII la escena británica estuvo condicionada por los más diversos vaivenes políticos, desde el cierre de todos los escenarios en tiempos del gobierno puritano de Cromwell hasta el florecimiento, durante la Restauración, de una intensa vida teatral. Estos factores contribuyeron a configurar un original género dramático-musical independiente de los modelos italiano y francés: la semi ópera inglesa. El principal problema que plantea en nuestros días este género –también conocido como dramatick opera– es la fuerte disociación que establece entre las partes musicales y las habladas. Así, mientras en King Arthur la parte dramática propiamente dicha (la hablada) nos cuenta la pugna entre Arturo –rey cristiano de los britones– y Oswald –rey pagano de los sajones– por hacerse con la mano de la princesa Emmeline y, con ella, del reino de Inglaterra, la parte musical se encarga de dar lustre a diversos rituales, visiones y divertimentos intercalados estratégicamente a lo largo del drama. La desorbitada duración –y relativo interés– de las partes habladas con respecto a las musicales hace de la versión de concierto una opción idónea para disfrutar la música de Henry Purcell en su registro más fantasioso y orientado al gusto popular.

 

Las bodas de Fígaro de Wolfgang A. Mozart

Ópera buffa en cuatro actos con música de Wolfgang A. Mozart (1756-1791) y libreto de Lorenzo da Ponte, basado en la comedia le Folle Journée, ou le Mariage de Figaro (1784) de Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais. Lorenzo Da Ponte –libretista de Le nozze di Figaro– hubo de reemplazar el discurso con el que Fígaro culminaba su crítica contra la nobleza por un aria dirigida contra la infidelidad femenina –«Aprite un po’ quegli occhi»– para que José II de Austria revocara su prohibición de representar la polémica comedia con tintes revolucionarios de Pierre Beaumarchais. Pese a ello, ninguno de los cambios efectuados por el libretista menguaron un ápice el subversivo sub-texto que la ha proyectado hasta nuestros días como la brillante e inteligente denuncia de la tiranía y del patriarcado que siempre ha sido. A decir verdad, la opera buffa fue –desde los tiempos de La serva padrona– el universo de ficción en el que una mujer de clase social baja podía someter mediante la astucia y sin perder la sonrisa a un hombre perteneciente a un estrato superior. Sin embargo, Le nozze di Figaro expande dicho marco a un nivel nunca visto, en el que los personajes son tanto menos dueños de la situación cuanto más alto están situados en el escalafón social y de género.

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El Rey Arturo

TEATRO DE LA ABADÍA

Extinción

Una embarcación española desciende por primera vez el río Amazonas, alguien hace scroll en la galería de imágenes buscando una foto, la galería inferior de una mina ilegal se derrumba, aparece en pantalla una nueva notificación de instagram, el rey de España escucha pasmado una misa en su honor, gotas de polvo dorado en suspensión, llueve barro, un profesor de anatomía busca el lugar del alma, alguien encuentra el restaurante más cercano, 56 mensajes sin leer, arde el interior de la selva, un réquiem resuena en una catedral del Nuevo Mundo, alguien mira al cielo, alguien mira una serie, alguien levanta un fragmento de mineral, alguien levanta un cáliz, alguien levanta un móvil.

Agrupación Señor Serrano propone una escenificación visual de las misas de Batalla y pro Defunctis de Juan Cererols. Un trabajo poético y visual sobre las notas de las misas, a través de una dramaturgia que se despliega mediante el uso de cámaras de vídeo, performance, objetos y proyecciones de vídeo realizadas en directo. Una gran pantalla dominando el espacio, varias mesas de trabajo, un plató donde se rueda una película, tres performers-manipuladores, un director musical y un ensemble vocal e instrumental se entremezclan en escena. Imágenes estáticas y extáticas capturadas en vivo y transformadas en tiempo real, performers entrando y saliendo de diferentes figuras alegóricas, la búsqueda del alma, la búsqueda de coltán, el fuego, el dorado, la sangre, el entretenimiento puro y duro que nos hincha como a una palomita a punto de explotar.

TEATRO DE LA ZARZUELA

Entre Sevilla y Triana de Pablo Sorozábal

Entre Sevilla y Triana fue estrenado el 8 de abril de 1950 en el Teatro Circo Price de Madrid. Y sus últimas funciones databan del año 1955. Mas de medio siglo en el olvido. Su partitura original, que se creía perdida desde esas últimas funciones, fue recuperada en 2007 por el director musical Manuel Coves y Curro Carreres en los archivos de la SGAE con anotaciones manuscritas del propio compositor. Es a partir de aquí cuando se recupera con esta producción de 2012 del Teatro Arriaga, Teatro de la Maestranza, Teatros del Canal y Teatro Campoamor que ahora presenta el Teatro de la Zarzuela. Este sainete lírico en dos actos está, sin lugar a dudas, entre las grandes creaciones de Sorozábal. El texto, de Luis Fernández de Sevilla y Luis Tejedor, es de una poética y un lirismo muy avanzado. Una obra con una extraordinaria valía, lo original de su argumento y la ambientación de Sevilla y Triana, de un autor tan conocido… y tanto tiempo en el olvido.

 

The Magic Opal de Isaac Albéniz

Isaac Albéniz compuso esta opereta inglesa durante su periodo londinense (1890-1893) y vio la luz —en su primera versión escénica— el 19 de enero de 1893 en el Lyric Theatre de Londres. Una música inteligente y divertida, demostración de su enorme variedad y versatilidad como compositor y que lo coloca entre los grandes en el ámbito internacional. Se trata de una comedia de enredo. Paco Azorín, su director de escena, afronta esta recuperación con un respeto total hacia la música, y trae la historia a la actualidad encauzándola hacia el tema de la banalización del amor y de su instrumentalización, por ejemplo, con las app para encontrar nuestra media naranja. Por tanto, prescindirá de escenas habladas originales «con la finalidad de crear una escenificación que se dirija al público del siglo XXI a través de un lenguaje audiovisual y contemporáneo».

 

El sobre verde dentro del Proyecto Zarza

 

El sobre verde, sainete con gotas de revista en dos actos con música de Jacinto Guerrero y libreto de Enrique Paradas y Joaquín Jiménez (revisado por Álvaro Tato), ha sido la obra elegida para ser representada en el Teatro de la Zarzuela entre los días 21 y 26 de febrero de 2022. Una nueva experiencia para acercar la zarzuela al público joven. La obra fue estrenada con gran éxito en el Teatro Victoria de Barcelona el 22 de enero de 1927 y, posteriormente, el 14 de marzo de ese mismo año, llegó al Teatro Apolo de Madrid.

La Dirección musical corrió a cargo de Cecilia Bercovich, la Dirección de escena de Nuria Castejón, la Escenografía de Ricardo Sánchez Cuerda y el vestuario de Gabriela Salaverri.

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Entre Sevilla y Triana

MUSICALES EN MADRID

Villa y Marte de Ron Lalá en los Teatros del Canal

Una nave espacial viaja a Marte para colonizar el planeta rojo. Pero el capitán y su androide Trasto descubrirán que el planeta ya está habitado cuando llegan a la ciudad de Martid, donde los vecinos mutantes celebran una verbena popular castiza ante los alienígenas terrestres. Para colmo de males, el capitán se enamora de una chulapa marciana postinera de ocho ojos hechiceros…

Villa y Marte es un sainete musical en tres actos ambientado en el Marte castizo, una aproximación de Ron Lalá al género chico, al género ínfimo, al teatro por horas, a toda esa corriente festiva, carnavalesca, crítica, zumbona, iconoclasta y semi callejera que convirtió los teatros madrileños (y españoles) en una fiesta del teatro y la música popular durante los últimos años del siglo XIX y principios del XX.

 

El musical de los 80 a los 90 en el Teatro Amaya

Mas de 40 canciones y miles de risas en una noche inolvidable, con una energía positiva maravillosa y ganas de vivir, disfrutar... y ser felices. Esto pretende el homenaje a los años 80 y 90 en el musical más famoso de Madrid donde no podrás parar de recordar, cantar y bailar. Serás cómplice de este recuerdo disfrutando del mejor pop español mezclado con éxitos internacionales. 

 

Trash! y We Will Rock You en el Caixabank Principe Pío

Producciones Yllana y Töthem hacen equipo para traer Trash!, un show vital y lleno de energía sobre las posibilidades del reciclaje a través de la percusión, el movimiento y la comedia. La acción tiene lugar en un centro de reciclaje, donde cuatro creativos operarios dan usos originales a todo tipo de objetos que llegan al lugar, haciéndonos reflexionar sobre el exceso de consumismo de nuestra sociedad. 

 

We Will Rock You, el espectáculo incluye éxitos tan conocidos del grupo como We are the champions, I want to break free, Somebody to love, I want it all, Another one bites the dust, Bohemian rhapsody, o el propio We will rock you, y está coproducido por los propios miembros de la banda: Brian May y Roger Taylor. 

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We will rock you

Fama en el Teatro EDP Gran Vía

Fama, el musical es un espectáculo aclamado mundialmente, un fenómeno de la cultura pop sobre la aclamada escuela de artes escénicas de Nueva York que se puede disfrutar en el Teatro EDP Gran Vía. Un musical internacional que sigue gustando a las nuevas generaciones con asombrosas ocasiones para presentar un grupo de talentos de todo tipo y mostrar artes como el baile, el canto, la actuación o el rap, entre otros.

 

Like, el musical en el Teatro Alfil

Imagina que conoces a alguien a través de una aplicación para ligar. Parece la persona perfecta. En la primera cita descubres que esa persona no es lo que aparentaba ser. La cosa es... que tú tampoco lo eres.

Ella, hace un año que rompió una relación y no se atreve a conocer a nadie. Su pasatiempo es quedarse en casa alimentando sus inseguridades. Todo le parece superficial y se encuentra fuera de lugar en el mundo.

Él, un orgulloso y tímido friki, lleva tres malditos años sin acostarse con nadie. Sus amigos, su madre, e incluso el párroco del pueblo, le incitan a todas horas a salir de fiesta y buscarse una chica, o un chico. Una misión suicida.

En un acto de desesperación, ambos entran en una app para ligar llamada LIKE.

LIKE es una comedia romántica musical sobre la dificultad de encontrar el amor y el amor propio, en tiempos donde la tecnología ya ha tomado el control de nuestras vidas.

 

A quién le importa, el musical en el Teatro Arlequín

A quién le importa nos hace viajar a otra época con una actualidad que se repite; la misma sociedad en distintos tiempos. A quién le importa con la magia de los tiempos anteriores hechos actualidad. Risas, música, texto, magia, ternura, búsqueda de libertad, realidad (aunque parezca ficción) son los ingredientes del espectáculo que anima las noches de esta temporada en Madrid.

 

El guardaespaldas, el musical en el Espacio Ibercaja Delicias

La impresionante acogida de la gira por España ha provocado la vuelta a Madrid del musical que recrea la relación entre una diva de la canción y su guardaespaldas. Frank Farmer, antiguo agente secreto reconvertido en guardaespaldas, es contratado por la super estrella Rachel Marron para protegerla de un acosador. Los dos esperan estar al mando de la situación. Lo que no esperan es enamorarse entre ellos dos.

Este musical thriller romántico incluye una larga lista de clásicos inolvidables como “Queen of the night”, “So emotional”, “I wanna dance with somebody”, “Saving all my love”, “Run to you”, “I have nothing” y la icónica “I will always love you”, Ven al teatro y vívelas como nunca antes.

 

Y así termina esta crónica de la musicalidad en los escenarios madrileños en este primer trimestre del año donde la mascarilla ya es opcional en el patio de butacas.