“DIDO AND AENEAS” de Henry Purcell

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Pocos saben que la ópera inglesa más importante anterior a Benjamin Britten sufrió una penosa travesía en el desierto antes de alcanzar el estatus que hoy le tributamos: su partitura original sobrevivió parcialmente gracias a su refundición en una masque posterior titulada Los amores de Marte y Venus, operación de la cual desconocemos qué tipo de adaptaciones y añadidos pudo sufrir, pero que supuso una pérdida estimable en al menos una cuarta parte de su música original. Ello no le ha impedido alzarse como una de las óperas del siglo XVII más representadas de la última centuria a la vez que su aria más conocida –El lamento de Dido– se convertía en la muerte de amor más emblemática de la lírica junto con el no menos célebre «Liebestod» de Tristán e Isolda.

Su estreno londinense en 1689 en la escuela femenina de danza de Josias Priest ha invitado a abordar la obra desde una perspectiva coreográfica. Así, tras la visita al Real en el año 2019 de la versión de Sasha Waltz, la nueva producción correrá esta vez a cargo de Blanca Li, directora artística de Teatros del Canal y brillante coreógrafa pionera de la aplicación de la realidad virtual a la danza y curtida en una desbordante variedad de  estilos de baile: desde el Barroco hasta el hip-hop. 

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"ARABELLA" de Richard Strauss

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Ya en el año 1927, Strauss escribió a Hugo von Hofmannsthal –su libretista desde los tiempos de Elektra– solicitándole un «segundo Rosenkavalier». Esto es, una comedia romántica de ambientación vienesa que les permitiera renovar uno de los más grandes éxitos de su carrera. La obra se alumbró con los peores presagios: Hofmannsthal murió de un ataque cardiaco afectado por el suicidio de su hijo sin haber terminado la revisión de los dos últimos actos; el director de orquesta Fritz Busch, que había de estrenar la obra, fue despedido de la Staatsoper de Dresde tras el ascenso de Hitler al poder; y, finalmente, la coincidencia de la fecha de estreno de la obra con una convención nazi en esta ciudad, en julio de 1933, supuso que Arabella se presentara al público en una sala repleta de camisas pardas.

Pese a la desafortunada lista de imprevistos, esta digna heredera de El caballero de la rosa, tamizada por el universo frívolo de El murciélago, atesora aún en grandes dosis -especialmente en su mágico tercer acto– el arte del viejo compositor. Esta producción de Christof Loy, responsable de Capriccio hace tres temporadas, supone, además, el estreno absoluto de esta obra en nuestra ciudad.

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"AQUILES EN ESCIROS" de Francesco Corselli

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Los disfraces y el travestismo formaron parte esencial de las tramas operísticas desde los orígenes venecianos de este género. En línea con esta tradición –continuada por la ópera seria–, el episodio de Aquiles en la isla de Esciros inspiró más de una treintena de composiciones líricas a partir del libreto de Metastasio de 1737: Tetis, madre de Aquiles, disfraza a su hijo de mujer para ocultarlo en la corte del rey Licomedes e impedir así su participación en la guerra de Troya. Sin embargo, el plan comienza a hacer aguas cuando Aquiles, incapaz de doblegar su virilidad, se enamora de la princesa Deidamia.

Francesco Corselli es un nombre fundamental de la ópera española del siglo XVIII: como maestro de la Capilla Real de Madrid durante cerca de 30 años fue el principal suministrador de óperas de la corte española, algunas de ellas bajo la dirección artística del célebre castrato Farinelli. Estrenada en 1744 en el Real Coliseo del Buen Retiro de Madrid, Achille in Sciro se compuso para celebrar el casamiento de la infanta María Teresa Rafaela con el delfín de Francia. Su escenificación, postergada por la irrupción de la pandemia-supone un gran hito en la recuperación de nuestro patrimonio musical. 

 

 

"LA NARIZ" de Dmitri Shostakóvich

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Con un reparto de 89 roles –distribuibles en un no menos mastodóntico reparto de 33 cantantes– y una acción de ritmo casi cinematográfico, La nariz supone un reto descomunal para cualquier teatro de ópera por su complejidad logística y una estimulante «pesadilla» para su director de escena. Basada en un cuento de Nikolái Gógol y estrenada en Leningrado en 1930, la obra fue retirada pronto de la circulación debido a los ataques de la Asociación de Músicos Proletarios de Rusia y la partitura no volvió a subir a un escenario soviético hasta 1974, solo un año antes de la muerte del compositor. El sarcasmo –rayano con el teatro del absurdo– del libreto y la «música sin estructura musical» –influenciada por la biomecánica de Meyerhold– de la partitura sostienen un espectáculo tan ácido en su contenido como rabiosamente moderno en lo musical.

El estreno en el Teatro Real de esta ópera de culto llegará de la mano de una celebrada e irreverente producción del australiano Barrie Kosky –firmante de la última Flauta mágica exhibida en este coliseo y declarado fan de esta obra desde sus años de estudiante–, diseñada a la altura de las grotescas peripecias del gris y pomposo burócrata que la protagoniza.

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